Los shooter de antaño no se parecían en nada a los de ahora; tenían una dinámica más delicada, una dificultad mucho mayor, y un sabor especial que… algunos no lográbamos entender. Aquellos juegos “de navecitas” eran un verdadero dolor de cabeza, mil veces más difíciles que cualquier título moderno en HD. Y a los más casuales y pacifistas nos costaba cogerles el truco. Pero había un título que logró abrirse un hueco entre aquella desolación, por su colorido, su música y su aparente alegría: Twinbee, un shooter vertical de Konami.

En 1985 aparecía Twinbee en las recreativas, estrenando un infructuoso hardware diseñado por la propia konami, llamado “Bubble Sistem” (un sistema de memoria que fracasó por su particularidad con los imanes, sus largas pantallas de carga y su elevado coste), pero muy pronto llegó a la Famicom y a la MSX, y atravesó las fronteras niponas con un nuevo nombre: RainbowBell, destacando como un shooter que se diferenciaba a leguas de los demás.

Sus colores brillantes y pastelosos se mezclaban con una música alegre creando una temática general que parecía más bien de un juego de Fisher Price, pero ese era el encanto de Twin Bee. La dinámica no dejaba de ser la misma que otros shooters, especialmente similar a Xevious, donde podíamos disparar también a torretas que estaban en el suelo. Pero el ambiente era totalmente innovador y hacía mucho a la hora de jugarlo.

Con un total de 6 niveles y diferentes enemigos finales para cada uno, la dificultad era igual que cualquier otro tormentoso shooter de la época, pero el colorido y la buena vibra de todo el juego llevaba a continuar la partida una y otra vez a pesar del número creciente de derrotas. Controlamos una extraña nave antropomórfica, con dos bracitos, de color azul pastoso, y estamos encargados de destruir toda fruta voladora viviente que se nos cruce en el camino. Nada sorprendente. El juego tenía un sistema de poderes o mejoras para tu nave, que se podía conseguir gracias a campanas de diferentes colores, obteniendo más velocidad, disparos dobles o disparos triples. Y lo mejor de este título era sin duda el modo cooperativo, donde compartimos zona de combate con otra nave de color rosa pasteloso.

Pero lejos de lo que pueda parecer, este juego es uno de los bebés de Konami, y prueba de ello ha sido todo el “lore” que se ha creado en torno a él, y todas las secuelas que han aparecido, la última en el 2007. Las naves antropomórficas protagonistas de esta historia, llamadas Light y Pastel (sí, tienen nombre…) tienen incluso un RPG para la PlayStation. Llegados a este punto, no debe sorprendernos que exista un manga y una versión anime, pero el colofón final de esta locura sin sentido (¿prueba del humor surrealista japones?) es la novela radiofónica que se transmitió del 93 al 97, llamada “TwinBee Paradise”… Inexplicable… No tengo más que añadir.

Vuelve la buena música de aquellos juegos antiguos a Pixelados después de un parón forzado. Y volvemos no con un tema cualquiera, volvemos con un auténtico temazo de un juego que, desgraciadamente no salió a la venta en su momento en España y, al menos por estos lares, es bastante desconocido. En algún momento, ya lo anuncio, este blog se tendrá que resarcir con Valkyrie Profile, el que para mí es el mejor juego de rol jamás hecho. Pero hoy nos toca abordar su genial y muy recomendable banda sonora. ¡Pasad, estáis invitados!

Eran aquellos años dorados del rol, en concreto del rol japonés que hoy se encuentra tan de capa caída. Eran los años de Enix y Square, cuando no estaban juntas sino separadas como siempre debería haber sido. Eran los años donde los juegos de rol no se regían por pautas establecidas una y mil veces. Eran los años donde se suplían las carencias técnicas con imaginación, buen hacer, una gran historia y mucho amor hacia el videojuego. No me quiero poner reivindicativo, ya llegará ese momento en este blog, centrémonos en el tema que nos ocupa: Valhalla.

Tri-Ace, compañía versada en los juegos de rol, fue la encargada, junto con Enix, de realizar un juego basado en la mitología escandinava para PlayStation. Un juego donde, encarnando a una Valquiria debíamos reclutar las almas de aquellos caídos en desgracia para que luchasen a nuestro lado en el Ragnarok. Un planteamiento sencillo que, según avanzaba el juego ve complicada su trama.

La banda sonora es igual de genial que el juego. Se respira ese ambiente medieval y de la mitología escandinava que hace especial al juego. Ambienta tanto como cualquier escenario, personaje o situación, creando una atmósfera única que invita a ponerse en la piel de nuestra Valquiria, Lenneth. El autor de semejante banda sonora es Motoi Sakuraba, autor de la música de sagas como Star Ocean o Tales Of. La elección de una banda sonora instrumental con coros no podría haber sido más acertada. Aunque parezca raro, la música transmite a la vez la decadencia del mundo de los mortales y lo celestial del de los dioses. Algo que se ve muy bien en la canción de hoy: Valhalla.

Lamentablemente ha llegado Febrero, ese horrible mes invernal, oscuro y lleno de difíciles y temibles pruebas… Nosotros, como buen ejemplo que somos de estudiantes universitarios, no hemos estudiado nada en los pasados meses, con lo cual nos toca estudiar como desquisiados y abandonar por un breve tiempo nuestro querido blog. ¡Pero que no panda el cúnico!, porque en nada estamos de vuelta con nuestra programación típica.

Es verdad que la última vez que nos fuimos de vacaciones, allá por la lejana fecha de septiembre de 2011, hicimos unas cuantas promesas que no hemos cumplido… Sí, lo sabemos, somos de lo peor. Así que esta vez no os vamos a prometer nada, PERO, vamos a dejar caer aquí que todos los proyectos siguen en mente y verán la luz apenas tengamos un tiempo para centrarnos en ellos, lo que puede sucerder a finales de Febrero, quién sabe. Os aconsejamos estar antentos y vigilantes, y os deseamos suerte a los que esteis en la misma ardua misión que nosotros. ¡Hasta pronto!

 Sunny Day es un tema de un juego cuando menos curioso que hizo acto de aparición en 1999 para PlayStation. El juego en cuestión es Vib Ribbon, de temática musical, donde había que guiar a la protagonista, una coneja llamada Vibri, a través de una línea por la que van apareciendo obstáculos a superar mediante combinaciones de botones. Una breve explicación para un juego nada convencional.

Vib Ribbon es un juego al que se le podría poner el adjetivo de experimental. Su entorno gráfico estaba compuesto nada más que por vectores en blanco y negro, y donde cada nivel es una canción. Por supuesto, Sunny Day forma parte de los niveles que hay a lo largo de la aventura.

La banda sonora del juego pertenece al grupo japonés Laugh & Peace, que ya desde su nombre nos anima a sonreír, como la canción que nos ocupa. Prueba de que los productores del juego estaban convencidos de la gran banda sonora que se traían entre manos es que se incluyó un CD con toda la música junto con la aventura.

Decir mucho más sobre el juego no es fácil, ya que es poco común. Y cualquier cosa que pueda añadir sólo serán palabras que, al escuchar la canción, se quedarán huecas. ¡Sonríe, levántate y prepárate para una vida feliz!

There’s no time

Hurry up

Everything’s so fantastic

There’s no time

Hurry up

There will be someone

There’s no time

Hurry up

You will play before you go, you

There’s no time

Hurry up

Get up and be ready for your happy life

Hoy os traemos un post de calidad inigualable como los que acostumbramos porque el juego que os traigo no es ninguna tontería. Puede que pocos le reconozcan, puede que no salga en las listas de preferidos ni en la prensa especializada, pero puedo asegurar y aseguro que aquél que lo haya jugado alguna vez en su vida va a saltar de emoción y algarabía. Damas y caballeros, con ustedes Antarctic Adventure, o como lo traducimos en Pixelados, Mantanza de Pingüinos II.

No te preocupes si nunca has oído hablar de este juego. Konami lo lanzó en 1983 para MSX y más tarde para la NES, pero al parecer nunca vio luz fuera de Japón excepto en su versión para ColecoVision. Lo cierto es que gracias a la piratería de aquel entonces (esos míticos cartuchos dobles, de tropecientos juegos, con la cinta para sacarlos de la consola), pude disfrutar de su versión para la NES, y deduzco no ser el único. Ya desde entonces nos enriquecíamos culturalmente con la piratería.

Pero no era un juego para las masas, eso sin duda. Era un juego de eruditos. El objetivo era controlar a un pingüino mientras daba la vuelta al antártico a toda velocidad esquivando focas y cogiendo banderines. No es que sea algo muy de suma cum laudes, pero si esto lo acompañas con el vals Les Patineurs de Émile Waldteufel todo suena mucho mejor. Te sentías hasta que eras guay jugándolo y todo.

Además era muy educativo. Nos enseñaba por ejemplo ese curioso pero totalmente inútil dato de que los pingüinos sólo viven en el Polo Sur, o también aprendíamos una valiosa lección de vida (que en adelante nos iba a servir de mucho a los que nos aficionamos a los videojuegos): las focas son unas soberanas hijas de puta. Y ya como colofón podíamos aprender cuales eran los países que habían conseguido echar mano de la colonización de la Antártida, sin que se mencionaran nunca a las tribus que perecieron por dicha actividad explotadora (¿Vive alguien en la Antártida? Yo es sólo por tocar los huevos). ¡Ah! y también aprendías que los pingüinos no pueden volar… ¡a menos que les pongas un sombrero con hélice!

Problem?

El juego alcanzó cierta fama y el pingüino protagonista obtuvo nombre (Penta) y lugar entre las mascotas de Konami, además de una secuela para la MSX. La dinámica y la música hacían de Antarctic Aventure un juego muy apacible, tranquilo, que se podía disfrutar una y otra vez sin presiones de ningún tipo, simplemente por el deseo de pasear sobre el hielo escuchando una hermosa melodía. Siempre recurría a él cuando me cansaba de morir una y otra vez en el resto de 29 juegos que traía el cartucho y de los cuales 10 estaban repetidos… ¡Qué tiempos aquellos!

¿Y ese saludo?

En el 2011 sucedieron muchas cosas en el mundo de los videojuegos. Títulos espectaculares salieron a la luz, noticias sobre nuevos dispositivos nos entusiasmaron y un buen sabor que boca quedó en todos. Sin embargo lo que más permanecerá en nuestra memoria del 2011 es sin duda el uso excesivo e irresponsable de la misma puñetera canción de Inception en casi todos los trailers de videojuegos. Lamentable, sí. Pero lo cierto es que esa inquietante e insoportable música ha traído de vuelta a mi memoria la canción de la que hablaremos hoy, mil veces más épica y memorable, y que se parecen menos que Reggie Fils-Aime a Matt Damon, pero me la trae floja. Analogías sin sentido de sábado por la noche con el tema de hoy, la canción principal de Metroid.

Dejemos de lado la patética introducción del párrafo anterior y hablemos de lo importante, la canción de hoy, un tema que entra en ese ranking de las mejores melodías de la NES. Metroid triunfó en el 86 por su laberíntica jugabilidad y sus malditos pasadizos invisibles, en una época en que eramos felices sólo con eso. Detrás de la música estaba un compositor que ya es frecuente en esta sección, Hirokazu Tanaka, que pretendía crear algo diferente e innovador que se alejara de las típicas notas de 8-bits para empezar a componer una música envolvente, con un carácter más maduro y oscuro que transmitiera al jugador una sensación de tensión. Y sin duda lo consiguió.

La canción más emblemática de Metroid es una de esas piezas que hace falta escuchar dos veces para empezar a apreciarla. Es imposible que te guste desde el principio, con esas punzantes y estresantes primeras notas que intentan transmitir un estado de tensión. Pero si esperas la suficiente la temática cambia totalmente. Una armoniosa melodía empieza a relatarnos una historia nostálgica e infantil capaz de enamorar a cualquiera. Y justo cuando nos tiene engatusados vuelven a sonar de nuevo los graves y estresantes latidos que nos devuelven a la realidad.

Lo que hace hermosa a esta pieza es esa emoción que logra transmitir con sus cambios, como si emulara uno de esos momentos que a diario suceden en los que soñamos despiertos con algún hermoso recuerdo del pasado, hasta que repentinamente volvemos a la realidad con más pesar que alegría… Su puesto en la memoria de los jugadores está más que justificado.

Ya hemos dicho que toda esta historia comienza en 1999, cuando Silent Hill vio la luz (¡ironía, ironía!) en los distintos mercados para PlayStation. Konami sabía que se traía algo gordo entre manos. Para compensar la expectación creada en torno al juego, y para reparar las ansias de los usuarios europeos que tuvieron que esperar la friolera de siete meses hasta poder jugarlo en comparación con los norteamericanos,  Konami distribuyó una demo de este juego con el también mítico Metal Gear Solid de PlayStation. El destino haría que los dos se conviertan en referentes de los videojuegos, aupando aún más si cabe a Konami en la industria.

El Team Silent, grupo de la filial de Konami en Tokyo, fue el equipo encargado de llevar a cabo el desarrollo de la aventura. La compañía nipona echó el resto con Silent Hill. Querían crear una aventura de terror psicológico, en tercera persona y con escenarios en 3D. Todo demasiado exigente para la consola de Sony, cuyo hardware no podía hacer frente a semejante demanda gráfica. Pero el ingenio hizo de las suyas y se adoptó un sistema que hacía que el juego se moviese con fluidez en escenarios tridimensionales a la vez que aumentaba la intriga, el desasosiego y el terror en definitiva: añadieron niebla por todos los lados. Solución magistral digna de ser aplaudida y sin la cual no veríamos Silent Hill de la misma manera.

La historia comienza fuerte con una cinemática inquietante cuanto menos. Harry Mason ha perdido a su hija, Cheryl, con la cual viajaba en coche. Y para más inri la ha perdido en un pueblo presuntamente deshabitado, Silent Hill. Harry tendrá que buscar a su hija por las calles y edificios de un pueblo dominado por la niebla y la nieve… Los sucesos extraños no tardarán hacer su aparición, haciendo cuestionarse donde están los límites entre la cordura y la locura.

El apartado técnico del juego es puntero, contribuyendo a crear el ambiente terrorífico de Silent Hill. Gráficamente es una maravilla, con gráficos igual de adultos que la historia detrás. Además, gracias a la niebla todo se mueve muy bien. No sé si es cosa de la limitación técnica que impedía una mayor resolución o es algo deliberado por parte de la desarrolladora, pero el juego se ve con granulado, aunque desde luego es algo que ayuda a crear ese ambiente de intriga y de irrealidad que se respira en todo el juego.

Sonoramente el juego es una maravilla, como pudimos comprobar hace más bien poco en una de nuestras selecciones musicales. La música creada por Akira Yamaoka contribuye a crear ese espacio misterioso que ocupa el pequeño pueblo. La música electrónica es la mejor aliada para el terror. Los efectos sonoros son de calidad similar a lo visto en el juego, con efectos tanto para las cosas “reales”, como las pisadas o los disparos, como para los monstruos y demás criaturas misteriosas.

A modo de conclusión, decir que Silent Hill es un verdadero juegazo. Diría que ha sido un placer rejugarlo, pero no ha sido así. No me malinterpretéis, con el juego me lo he pasado de muerte, viendo los gráficos, la música, la historia… pero los sustos son comunes. Si te van los juegos de terror, deberías probar Silent Hill y verías como el género de terror adquiere una nueva dimensión. Si no te van los juegos de terror, deberías probar Silent Hill, aunque sea en compañía de colegas y en un ambiente más distendido, porque merece la pena. Aún recuerdo cuando lo probé… ¡menudo miedo!

Quien no conozca el nombre de Silent Hill debería ser expulsado de esta magna sala donde redactamos las crónicas de Pixelados, un auténtico juegazo mítico que tarde o temprano deberá hacer su aparición por estos lares (supongo que más temprano que tarde, por que es un juego realmente navideño…). Pero no estamos aquí para hablar del juego, sino de su banda sonora, igualmente magistral.

El culpable de esa excelsa música es Akira Yamaoka, genio indiscutible que creó una banda sonora misteriosa y envolvente con toques de terror, convirtiéndose en un protagonista más, creando una atmósfera inquietante. Sólo escuchando la música uno puede percibir ese ambiente que se puede respirar en Silent Hill.

Los instrumentos utilizados son en su mayor parte sintetizadores, creando canciones de corte alternativo y electrónico que encajan realmente bien con el tipo de juego de terror que propone Silent Hill. Y el tema escogido es, posiblemente, el más característico del juego, un tema inolvidable, que sólo con escuchar sus primeros segundos sabes a qué juego pertenece. Silent Hill: